믹싱 vs 마스터링: 무엇이 다른가?

믹싱은 케이크를 만드는 것과 같습니다. 모든 재료가 있죠: 킥, 드럼, 신스, 보컬. 밀가루, 계란, 우유처럼요. 각각을 정확한 양만큼 넣고, 올바른 방식으로 섞고, 굽면 예쁘게 완성되어야 합니다.

마스터링은 그 케이크를 보기 좋게 꾸미는 것입니다. 오븐에서 나오면 거친 부분을 잘라내고, 아이싱을 바르고, 딸기를 올립니다. 하나는 트랙의 근본적인 토대이고, 다른 하나는 정리하는 것입니다.

정말 많이 고칠 수 있습니다. 하지만 모두 대대적인 작업입니다. 전반적인 균형을 조정하기 위한 크고 넓은 EQ 커브. 마스터링 단계에서 정밀하고 세밀한 작업을 많이 하고 있다면, 다시 믹스로 돌아가야 할 가능성이 높습니다.

로우 엔드가 너무 부밍하면, 그걸 밀어 넣어서 탑 엔드가 빛나게 할 수 있습니다. 하나의 hi-hat이 다른 모든 것 위로 튀어나와 있다면, 정밀한 EQ나 compressor로 타겟팅해서 밀어 내리고, 나머지 하이 엔드를 올릴 수 있습니다. 킥이 너무 멀리 튀어나와 있다면, 같은 방식입니다. 밀어 넣고, 트랙의 나머지를 올립니다.

마스터링에서 효과적인 것은 너무 큰 소리를 억누르거나 너무 조용한 넓은 주파수 대역을 부스팅하는 것과 관련됩니다.

보컬이 하이 엔드 드럼 아래 훨씬 아래에 있다면, 그건 문제입니다. 하이 엔드를 올리면 보컬이 더 깨지고 왜곡됩니다. 신스에 비해 하이 엔드가 너무 크다면, 둘을 분리하는 것이 매우 어려워집니다.

경험상의 규칙: 대대적인 작업이 필요하면 마스터링이 처리할 수 있습니다. 특정 악기를 서로 상대적으로 움직여야 하는 경우, 예를 들어 묻혀 있는 글록kenspiel을 빼내야 한다면, 그건 믹스의 문제입니다.

프로듀서가 저에게 마스터링을 요청하러 왔는데 실제로는 믹싱이 필요한 트랙인 경우, 보통 몇 초 안에 알 수 있습니다:

때때로 트랙에 네다섯 개의 파트가 있어도 납작하고 지루하게 들릴 수 있습니다. 그런 파츠들 사이의 올바른 움직임과 상호작용만으로 같은 프로덕션이 정말 그루브 있게 들릴 수 있습니다. 같은 사운드, 그저 좋은 믹싱만으로.

트랙을 돌려보내고 무엇이 문제인지 알려줍니다. 믹스가 형편없고 스테레오 마스터를 원한다면, 정확히 무엇이 잘못되었는지 알려줄 것입니다. 무엇이 변경되어야 하는지 상세한 분석을 제공할 것입니다. 저에게 맡길 수 있다고 알려주고 가격을 제시할 것입니다. 직접 고치길한다면 그것도 괜찮습니다.

가끔 그들이 떠나서 변경사항을 반영하고 돌아오지만, 여전히 좀 찜쩜한 경우가 있습니다. 그래서 더 많은 피드백을 줍니다. 그들이 다시 떠나서 더 많은 변경을 하고 돌아옵니다. 이것은 과정이 될 수 있고, 저는 전혀 개의치 않습니다.

누구도 자신의 믹스가 잘못되었다는 말을 듣는 것을 싫어하지 않습니다. 왜냐하면 고쳐질 거라는 의미니까요.

트랙이 들어왔는데 진짜 프로덕션이 필요한 경우, 트랙이 아직 트랙이 아닌 경우, 믹싱과 마스터링으로는 그 토대를 만들 수 없습니다. 그 돈은 먼저 프로덕션을 제대로 하는 데 쓰는 게 더 좋습니다.

저는 둘 다 하니까 당연히 별도 인원이 필요 없다는 말을 하겠죠. 그리고 진심으로 그렇게 생각합니다. 완전한을 좋아하니까요. 다른 사람이 내 믹스를 마스터링하는 건 원하지 않을 거예요. 제 대로 들리지 않을 테니까요. 저는 결과물이해야 하는지에 대해명확한 비전을 가지고 있습니다.

하지만 모두가 이런 식으로 일하는 것은 아닙니다. 많은 사람들이 트랙을 믹싱한 후 별도의 마스터링 엔지니어를 원합니다. 그런 경우에는 믹스가 사전 마스터를 받을 때 Whoever gets the pre-master가 받으면, 그것을 10dB만 올리면 되는 상태로 장비를 설정해 줍니다.

둘 다 하는 사람이 원하는 대로 정확하게 실행할 수 있다면, 별도의 믹싱과 마스터링 엔지니어가 필요하지 않습니다.

솔직히 말하면? 너무 많이 생각할 필요 없습니다. 프로듀서는 창의적으로 트랙을 최대한 좋게 만드는 데 집중해야 합니다. 믹싱도 마찬가지입니다. 프로덕션 과정에서 너무 걱정하지 마세요.

대학에 있었을 때, 모든 것을 직접 해야 한다는 문화가 있었습니다. 혼자서 모든 것을 하는 밴드 같은 사람이 되라는 거죠. 업계에 들어가자마자 모든 사람에게 전문 분야가 있다는 것을 알게 됐습니다. 매니지먼트, A&R, 레이블 보스. 창작 측면에서는: 프로듀서, 토플라이이터, 악기 연주자, 믹스 엔지니어, 마스터링 엔지니어. 모두 제 자리를 가지고 있습니다.

혼자서 모든 것을 해야 한다고 눈을 가리는 것은 교육 기관에서 지속되는 것입니다. 업계에 나오면 하나의 니치에 집중할 수 있다는 것을 알게 됩니다. 프로듀서가 클랩에 맞는 스네어 사운드를 만들기 위해 3시간을 소비할 필요가 없습니다. 그것은 믹스 엔지니어의 일입니다. 프로듀서는 사운드 팔레트가 정확한지, 트랙이 창의적으로 원하는 위치에 있는지 확인하면 됩니다. 믹스 엔지니어가 모든 것을 조화시키고, 마스터링 엔지니어가 완성합니다.

신뢰도와 역량の에 달려 있습니다. 어떤 사람들은 첫날부터 전문적인 프로세스를 원합니다. 그들의 첫 번째 트랙이 들어올 때도 있고, 때로는 더 많은 작업이 필요하다고 말할 때도 있습니다. 하지만 그들은 올바른 아이디어를 가지고 있습니다. 처음부터 제대로 되고 싶어합니다. 모두 그런 예산이 있는 것은 아니고, 그것도 괜찮습니다.

DIY가 의미를 잃는 지점은 창의성에만に하고 싶고, 믹스와 마스터에 대해 걱정할 필요가 없을 때입니다. 프로듀서에게 믹스와 마스터는 프로덕션보다 두 배 더 오래 걸릴 수 있습니다. 왜냐하면 그것이 매일 하는 일이 아니니까요. 매일 프로덕션은 하지만, 매일 믹싱과 마스터링을 하는 것은 아닙니다. 그것은 길고, 힘들고, 고통스러운 과정이 될 수 있습니다.

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